EL GUERNICA DE PABLO PICASSO

Se trata de un cuadro realizado por Pablo Picasso, el cual pinto durante los meses de mayo y junio de 1937, el cuadro hace referencia al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española.

El cuadro no es tan importante o no es el motivo de mayor reconocimiento en si la técnica pictórica o la composición de esta como lo es el simbolismo y el significado.

La obra aunque como he mencionado anteriormente hace referencia al bombardeo de Guernica no solo busca representar el horro de este hecho, sino que lo que busca es evocar esta maldad producida por la guerra sobre el pueblo a un nivel completamente universal, ni siquiera solo en el marco de al guerra civil española.

Dentro del conjunto propio de al obra es importante destacar la “expresividad” del cuadro, que a través de las expresiones de las figuras, de carácter sobrecogedor, es como mejor se puede observar ese sentimiento de maldad y daño que generan las guerras; aquí destaca la figura de la mujer con el niño muerto que grita por la pena y la impotencia ante al situación (de echo este es uno de los casos por los cuales algunos expertos consideran que este cuadro tiene una cualidad “sonora”).

Respecto a la simbología de la obra se pueden sacar varias conclusiones y por ello las analizare una a una.

Comenzando por la madre y el niño podríamos observar en primer lugar esa brutalidad de la guerra, y la impotencia de la gente ante ella.

Tras la madre podemos observar un toro el cual se encuentra en una posición volteada y con una expresión de aturdimiento, según cuentan Picasso le otorgo un significado referido a lo “brutal y oscuro”, aunque también se le ha interpretado como un símbolo de la tauromaquia, siendo esta un rasgo característico de España.

Entre el toro y el caballo y disimulado con el fondo podemos observar la figura de una paloma herida, la cual se considera un símbolo de la paz rota.

A los pies del toro y de la mujer aparecen los restos de un soldado muerto, esta figura a recibido gran cantidad de interpretaciones, como puede ser un símbolo de la España derrotada, aunque puesto que en uno de los brazos sostiene una flor, hay quien llega a considerarlo un símbolo de esperanza dentro de un panorama tan oscuro.

En el centro de la obra se observa un caballo herido en una pose retorcida por el dolor, lo cual puede ser interpretado también como un símbolo del dolor y del sufrimiento causado por las guerras.

A parte de estas figuras también se pueden observar a varios personajes con actitudes similares gritando o heridos, haciendo esa alegoría a la barbarie de al guerra, aunque destacando por ultimo un extraño elemento en al escena que es la bombilla, situada en la zona superior central del cuadro, y que es uno de los elementos mas controvertidos de la obra, según algunos autores hace referencia al avance científico y tecnológico que contribuye tanto al avance social como al poderío destructivo de al guerra; mientras que otras teorías aluden a hechos de carácter mitológico como la deshumanización de los dioses clásicos (en este caso seria Helios).

Por último y mas relacionado con el aspecto histórico queda mencionar que la obra tras ser terminado nunca regreso a España hasta los años 80 (debido a que tras al Guerra Civil se instauro el régimen Franquista), habiendo sido expuesta previamente en EEUU, no sin estar cargada de polémica en parte relacionado al deseo de Picasso de que no regresara a España hasta que esta volviese a ser una república.

Por otro lado, el bombardeo de Guernica, aunque públicamente fue achacado al bando franquista, este, así como Alemania negaron haber tenido algún tipo de participación en esto. No fue hasta 1977 cuando oficialmente Alemania admitió que el bombardeo fue llevado a cabo por la “Legión Condor” de la Luftwaffe, como prueba para conocer el efecto de los bombardeos sobre poblaciones civiles.

JORGE SÁNCHEZ MARTÍN

El Guernica, los horrores de la guerra

Cuando uno se pone frente al Guernica, no solo se enfrenta a un magnifico cuadro, sino que se enfrenta a una de las obras de arte más importantes del siglo XX. Y esto no es solo por lo que es en sí, sino también por lo que representa.

El cuadro es una enorme obra de casi ocho metros de largo y más de tres de alto. Pero el tamaño no es lo importante. Fue pintado por Pablo Picasso, del que podemos decir que es el mayor pintor español del Siglo XX y posiblemente el mayor exponente de la pintura cubista en el mundo.

El cuadro nos representa una de las realidades del siglo XX: la guerra. Pero nos presenta la guerra en su máxima expresión. Una guerra brutal, terrible, que no tiene piedad con nada ni nadie. Una guerra total.

El cuadro fue realizado en 1937, en Paris, muy lejos de la realidad que Picasso intento plasmar en la obra. En tonos grises, blancos y negros nos muestra los bombardeos en la ciudad Vasca de Guernica. Para ello nos presenta una serie de figuras humanas y animales contraídas, todo ellos siguiendo el estilo cubista tan característico de Picasso.

Y lo que nos muestra no es otra cosa que un hecho clave en la historia. Podemos decir que la guerra civil es la primera guerra contemporánea, es decir, en la primera en la que se usaron técnicas de combate contemporáneas . En el uso de de dichas técnicas bélicas contemporáneas Guernica fue un lugar clave, ya que fue la primera zona urbana bombardeada por aviones de combate. Pues los ejércitos de Hitler y Mussolini usaron Guernica y otras zonas de España como su campo de pruebas particular, y fue la ciudad Vasca la que recibió el peor golpe.

El cuadro se le encargo a Picasso por el bando republicano, quizás como un arma de propaganda contra el bando nacional y sus aliados fascistas. Este se hizo para mostrarlo en la Exposición Internacional de Paris y por el cual la Republica pago un precio al cual el autor no estaba para nada acostumbrado.

El cuadro está lleno de simbolismo a través de las personas y los objetos representados. Por un lado tenemos a los animales. El toro y el caballo se muestran en una posición casi imposible, casi ilógica.  No representan otra cosa que el lado más animal e irracional de la guerra.

 La madre con el niño muerto podría representar muchas cosas, pero es bastante probable que quiera poner de manifiesto la idea tantas veces repetida que durante la guerra, los padres entierran a los hijos. De esta misma idea podríamos pensar que intenta mostrar la anti naturalidad de la guerra, en la que las leyes que rigen el mundo se invierten. Además la figura tiene cierta reminiscencia a las pietás de Miguel Ángel, quizás un gesto de admiración del artista.

El hombre despedazado a los pies del caballo podría representar el futuro que le espera a cualquier soldado. Un hombre desecho del que solo quedan brazos y cabeza, y que porta una espada rota y una flor. Esto podría decir que al final las armas no sirven para nada y que lo que queda son los sueños, las ilusiones y la esperanza, que son representados en la flor.

La paloma se encuentra en un segundo plano y podría representar una paz lejana o imposible. Así mismo, la enorme bombilla a mi parecer representa a dios, que se presenta impasible ante el horror.

La persona de la derecha, arrodillada y clamando al cielo podría representar la desesperación, y la que porta el farol la esperanza.

Cabe decir que estas son mis interpretaciones, y que son tan validas como las de cualquier otro.

El cuadro llego a España en el 77, cuarenta años después de su creación, ya que el régimen franquista no permitía una obra como esta. Creo que al estar en España se encuentra en el sitio que le corresponde, ya que no es solo una obra de arte, sino que representa nuestro pasado próximo y todo el horror de la Guerra Civil.

Rubén de Dios

EL GUERNICA - PABLO PICASSO

El Guernica es una obra, que desde su creación ha trascendido el ámbito artístico para convertirse en un icono de la naturaleza y la cultura humana.

La obra está estrechamente ligada a su contexto, el siglo XX y en especial al periodo previo a la Segunda Guerra Mundial. Ésta contextualización de la obra no limita su significado únicamente a su época, sino que lo extiende más allá, junto a los rasgos humanos que no han variado en toda su historia.

En mi opinión Picasso buscaba retratar esos sentimientos que han permanecido alineados al ser humano en toda su historia, el odio que conlleva al enfrentamiento, la muerte, el miedo y la miseria.

Picasso los retrató como son en esencia, oscuros, fríos e impactantes. La respuesta del espectador debía de ser acorde a ellos, la repulsa ante la violencia y la empatía hacia las víctimas.

El principal rasgo de la obra es el antibelicismo. La década de 1930 es una época de profundos cambios sociales. Del surgimiento de los regímenes totalitarios, las democracias y regímenes comunistas además de la gran crisis económica. Estos cambios confluyeron en una gran inestabilidad política y social que tuvo como consecuencia la militarización de la sociedad. El primer escenario donde estallaron estos cambios fue en España con la Guerra Civil.

La Guerra Civil está considerada como la primera guerra moderna. Es un adjetivo algo difuso pero que tiene su razón. En primer lugar en el ámbito armamentístico, lo que más la distancia de las guerras anteriores es la aviación y su papel en los bombardeos de ciudades. Madrid fue la primera ciudad de la historia en ser bombardeada desde el aire, y Guernica la primera en ser destruida casi por completo. Los bombardeos tenían dos finalidades, una de destrucción de objetivos militares y la otra de mayor importancia, la propaganda del miedo.

Esta es el segundo rasgo que hace a la Guerra Civil ser el primer conflicto “moderno”, la propaganda, uno de los hitos principales del siglo XX. La propaganda jugó un papel fundamental en la Guerra Civil en ambos bandos. Los dos destinaron numerosos recursos para desestabilizar moralmente al enemigo, hasta convertirse también en una guerra propagandística. El bombardeo de Guernica fue un ataque moral. Guernica era la ciudad símbolo del nacionalismo vasco y de su estatuto. Las fábricas y objetivos militares se encontraban en la zona de la ría de Bilbao, no en Guernica. Por ello fue un ataque propagandístico en el sentido que buscaba desestabilizar moralmente y políticamente al gobierno republicano destruyendo uno de sus símbolos.

La respuesta de la República fue también propagandística. Los artistas e intelectuales españoles, la gran mayoría en el bando republicano lucharon de este modo, Picasso entre ellos.

El conflicto español no se limitaba a la nación española, sino que estaban involucradas las demás potencias europeas, directamente como Alemania e Italia con el bando franquista o la U.R.S.S con la República e indirectamente las democracias europeas, principalmente Francia e Inglaterra.

La pasividad de estas últimas respecto a la intervención de Alemania e Italia se materializó con la firma de los pactos de no intervención. La República intentó legitimar su defensa clamando al apoyo de las democracias internacionales frente al bando franquista y los regímenes fascistas.

La oportunidad de buscar apoyos tanto económicos como políticos y de mostrar al mundo lo que estaba sucediendo llegó con la celebración de la Exposición Universal de París de 1937. Para el Pabellón español se había encargado una obra a Picasso que reflejara la situación en España. Con el bombardeo de Guernica unos meses antes Picasso tuvo el mejor ejemplo para mostrar al mundo la barbarie de los fascistas.

El mensaje de Picasso fue un éxito en cuanto a divulgación, pero la paralización de las democracias principalmente Francia e Inglaterra frente a Italia y sobre todo Alemania impidió cualquier apoyo efectivo para la República más allá de la U.R.S.S.

La República fue finalmente derrocada por el Fascismo, que luego hizo estallar la Segunda Guerra Mundial. Aún finalizada la Guerra en España, El Guernica seguía siendo un reflejo de la situación de Europa y con la Guerra Mundial del Mundo. Finalizada ésta se convirtió en el símbolo de la repulsa hacia la guerra y el odio que tanto había hecho sufrir al Mundo. Pasó de ser una obra localizada a un momento específico para convertirse en un símbolo mundial del antibelicismo eternamente reverenciado.

El Guernica llegó a España en 1977 con la instauración de la democracia tras un largo exilio de 40 años, los que duró el Franquismo “oficialmente”. Al igual que todos los españoles exiliados, la obra se convirtió en la imagen del exilio español y símbolo de aquella España que se rompió en 1936 y que todavía no se ha rehecho. El Guernica volvió a politizarse para alejarse del mensaje que quería dar Picasso el del horror de la guerra.

En cuanto a la controversia sobre cual debería ser el emplazamiento de el Guernica es desde mi punto de vista un problema que atiende a tantos intereses y tan dispares entre sí que no quiero mojarme. Lo que sí tengo claro es que debe de estar en España donde más tiene significado que esté, tanto culturalmente y politicamente.

JUAN SASIAMBARRENA DÍAZ A3

"El Guernica" de Pablo Picasso

Comentario de "El Guernica" de Pablo Picasso

La obra de "El Guernica" (1937) de Pablo Picasso, no es solo una obra maestra de la corriente cubista, expresionista y surrealista, sino también de todo el arte del siglo XX y muestra una tremenda crítica a a la Guerra Civil Española, pues en su temática refleja la dureza de la guerra y como ésta afecto a la población civil, quien sufrió mas gravemente las consecuencias de la guerra. De hecho, Picasso se inspiró en el acto del bombardeo del pueblo de Guernica, cuna del pueblo vasco, por parte de la Aviación Cóndor alemana, quien colaboraba con el bando nacional en la Guerra Civil.  La obra surge en un periodo en el que las vanguardias del primer tercio del siglo XX se ven mermadas y purgadas por el ascenso de los fascismos y totalitarismos, pues estos no lo veían con buenos ojos por ser algo, a su juicio, demasiado innovador y experimental y, por tanto, algo que rompía con lo tradicional.

En un análisis de la obra, diremos que, en su carácter formal, es una obra con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m, hecha en pintura sobre lienzo y con una gama de blancos y negros además de distintos matices de grises, con lo que Picasso pretende así resaltar el dramatismo del momento gracias a al ausencia de color. Los elementos que aparecen en la obra son muy variados, y cada uno, representa un elemento de moralidad y de destrucción a causa de la guerra. Es un cuadro muy dramático y dinámico en el que se observa cierto movimiento de las figuras. Los elementos que lo componen son 3 animales (toro, caballo y paloma) y 6 figuras humanas, además de otros elementos con un claro simbolismo:

El toro: el toro aparece en la parte izquierda de la obra. Su cuerpo esta compuesto de un tono                       grisáceo mientras que su cabeza es de color blanco. Tiene una postura complicada en la que muestra             el aturdimiento de la situación. Este símbolo ha sido interpretado como la oscuridad y lo brutal.

El caballo: el caballo se sitúa en la parte central de la composición, aunque algo a la izquierda del                   mismo centro de la obra. Aparece representado como un animal encabritado y asustado, con su                   cuerpo orientado hacia la izquierda y su cabeza también, de forma que esta también en una postura               de aturdimiento. Además, tiene una lanza clavada en el costado y su boca esta abierta. La gama de tonos de blancos, negros y grises va desde un tono oscuro para la cabeza, una gama de tonos grises combinados para el cuerpo y un tono blanco para las patas.

La paloma: la paloma se sitúa entre el caballo y el toro, a la altura de la cabeza. A parece representada como una simple silueta, que no se puede apreciar salvo por una de sus alas que es blanca, el resto se funde con el fondo. Tiene la cabeza hacia arriba y el pico abierto por lo que se le ha dado la significación de la paz rota.

Mujer con hijo muerto: aparece debajo del toro, con ademán de dolor y parece ser que este gritando mientras sostiene a su hijo muerto. El simbolismo de esta figura esta muy discutido: hay quien dice que se acerca a un ideal cristiano de la Virgen sujetando al hijo muerto, y también hay quien dice que representa a la ciudad de Madrid sitiada por las tropas del bando nacional.

Restos de guerrero muerto: se sitúa en la parte inferior izquierda del cuadro. Aparecen, partes de 2 brazos y la cabeza con expresión desencajada. Uno de los brazos aparece con la palma de la mano abierta y el otro sujetando una espada rota y una flor, que ambos se interpretarían como la la destrucción e impotencia ante la guerra (espada rota) y la esperanza (flor).

Mujer herida: es la interpretación que se le da aunque también puede ser que se trate de una mujer arrodillada. La figura aparece como dislocada, como arrastrándose, y se observa en que parece ser que esta herida en la pierna y trata de tapar la hemorragia pero ya es tarde y lleva el pie arrastrando. La gama de colores de esta figura ayuda a entender esta significación, pues la ausencia de sangre en el cuerpo se vería representada con un color blanco en la pierna herida y un tono de gris mas oscuro en la pierna sana. También por la postura es una idea de confusión y de deambular sin saber donde ir. Hay también quien dice que por la dirección en la que se mueve el personaje, tendría una intención de refugiarse junto al caballo.

Figura del quinqué: esta figura aparece como una persona asomándose a una ventana portando un quinqué en una mano y con la otra en el pecho en tono de angustia. Su simbolismo vendría a representar la alegoría de una República etérea y ya carente de poder.

Hombre implorando: esta figura aparece colocada en una casa en llamas y con su rostro y sus brazos clamando al cielo, como una forma de pedir a los aviones que dejen de bombardear y con una idea de paz y de "no más guerras".

Además de todos estos elementos, aparecen también otros de importancia en la obra, como son la llamada "bombilla" o la casa en llamas. La "bombilla" podría representar el avance científico que alumbra a la sociedad, pero que en realidad se convierte en una lacra para pueblo pues solo sirve para ayudar a aumentar la destrucción masiva de las guerras modernas. Por otro lado la casa en llamas seria uno de los recursos empleados por Picasso para resaltar la expresividad de sus personajes a través de simples líneas, como se ve en las figuras del caballo, de la mujer herida o de la mujer con el hijo muerto.

Por ultimo hablar de la finalidad de la obra y de la intención de su encargo. La obra fue encargada a Picasso por el director general de Bellas Artes, Josep Renau, y otros intelectuales, con motivo de la Exposición Internacional de París de 1937 en la que el pabellón español, gracias a Picasso, expuso los horrores de la guerra y sirvió como forma de pedir ayuda internacional por parte de la República.

Esta obra, como ya he dicho, tuvo repercusión internacional al mostrar tan críticamente los horrores de la guerra, por lo que al acabar la Guerra Civil Española, en 1938 y por petición de Picasso, se trasladó al Museo de Arte Moderno de Nueva York, teniendo que ser devuelto a España en cuanto se reinstaurase la democracia. Esta devolución se hizo efectiva en el año 1981, año a partir del cual se expuso en el Casón del Buen Retiro, hasta que en 1992, fue llevado al Museo Reina Sofía de la capital, donde se encuentra expuesto actualmente de forma permanente.

Bibliografia:

Web: 

http://www.museoreinasofia.es/coleccion/sala/sala-206

http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_(cuadro)

http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_01_02/guernica_picasso.htm

FABIO DE GREGORIO ROMÁN. A3

Esculturas del Parque del Buen Retiro

Esculturas del Parque del Buen Retiro

El ángel caído

La estatua del Ángel Caído se encuentra en la antigua situación de la antigua Fábrica de Porcelanas, destruida durante la Guerra de Independencia. Es una estatua única pues representa al diablo y a su hueste cayendo con el al ser expulsadas del cielo. Es obra del escultor Ricardo Bellver y su pedestal es de Francisco jareño. Se encuentra en la confluencia del paseo del duque Fernán Núñez, de la avenida de cuba y del paseo de Uruguay. Su acceso mas fácil es desde la Puerta del Ángel Caído en la Cuesta de Moyano en la calle Alfonso XII. Es adquirida en un inicio como escultura en mármol y fundida en bronce posteriormente. Fue expuesta en la exposición de universal de París de 1878. Más tarde pasaría a formar parte de la colección del Museo del Prado y más tarde cedida al ayuntamiento de Madrid y colocada en su ubicación actual.

Vista general de la pieza.

Detalle del Ángel Caído.

 

En 1880 se le encargo al arquitecto Francisco Jareño la construcción del pedestal. El pedestal, con forma de pirámide truncada y planta octogonal, tiene su base de granito y en cada uno de sus lados figura una carátula de bronce.

Éstas representan a diablos que agarran con sus manos a lagartos, sierpes y delfines, teniendo cada una de ellas tres surtidores de agua.

El ángel caído tiene varias influencia que van desde la helenística, hasta la romántica, pasando por la barroca.

Como curiosidad decir que la altitud de la situación de la estatua es de 666 metros, número que hace alusión a la bestia que hace su aparición en el último tercio de la visión apocalíptica.

Monumento a Alfonso XII

El Monumento a Alfonso XII es, por sus dimensiones y grandiosidad, el más importante monumento de los existentes tanto en el Parque del Retiro como en la ciudad de Madrid. Su construcción se debe a los deseos expresados por la Reina María Cristina, viuda del rey Alfonso XII desde el 25 de noviembre de 1885 y Regente del Reino desde el día siguiente, de realizar una construcción en memoria del difunto rey. Así, el 14 de julio de 1886, el senador José Polo Bernabé interpela al gobierno sobre la construcción de una estatua ecuestre de Alfonso XII. Posteriormente, el 31 de mayo del siguiente año, este mismo senador presenta un “Proyecto de Ley para erigir una escultura ecuestre al Monarca D. Alfonso XII”. En total, desde la presentación del proyecto de Ley a su sanción por la Reina ha trascurrido menos de un mes.

Sin embargo su construcción no fue tan rápida como su aprobación, pues los problemas del país con la guerra de cuba, entre otros, hicieron que su construcción no empezara hasta 1901, finalizándose en 1902.

La autoría del proyecto recae en José Grases Riera, tras entrar a concurso y finalmente ser él quien lo consigue.

Cuerpo central del conjunto.

Detalle de la estatua ecuestre.

De las ideas generales del proyecto solo se ven realizadas parte de ellas, excluyéndose algunas. Una vez realizado el proyecto tenemos 3 partes bien diferenciadas: la plataforma, el cuerpo central y la columnata.

Leones de la plataforma.

La plataforma esta formada por una escalinata de acceso al lago sobre la que se sitúan 5 leones sobre dobles pedestales, debajo de los cuales, y a la altura del agua, se sitúan unas sirenas de distintos autores.

Por otro lado tenemos la columnata, compuesta por 76 columnas de orden jónico, sobre las cuales se sitúa una disposición en friso de la heráldica de cada una de las 49 provincias españolas (la numero 50 actual, surge de la disgregación de las canarias en 2: Las Palmas y Santa Cruz de Tenerife). A la entrada de la columnata se encuentran las llamadas “artes” representadas en 4 estatuas de bronce: la agricultura, el comercio, la industria y las ciencias.

Por ultimo tenemos el cuerpo central, en el que observamos la estatua ecuestre del rey Alfonso XII en la parte superior, que fue la parte mas costosa del proyecto y que supuso un encargo especial al ser lo primero en entrar a concurso por la realización de la obra, y varios conjuntos escultóricos en las cuatro caras de la pieza, que representan valores de la monarquía: templanza, prudencia, justicia y fortaleza. A estos conjuntos escultóricos se les une unos bajorrelieves de bronce que representan distintos motivos: por un lado la Restauración Borbónica, otro representa la Paz y otro la Caridad Real (en la cara restante encontramos la puerta de acceso al interior, la llamada “Cripta”,  que fue cerrada tras rechazarse el proyecto de un ascensor, siendo sustituido por una peligrosa escalera). Por ultimo hablaremos del cuerpo medio de le pieza en la que se representan distintos motivos en conjuntos escultóricos, como son la Paz, la Libertad y el Progreso. Se iba a hacer un cuarto conjunto escultórico en la cara que da hacia los árboles, que iba a ser costeado por el Banco de España, pero al morir el escultor, el proyecto fue abandonado y en su lugar se hizo el águila sobre la “Cripta” que encontramos hoy en día.

Bibliografía: 

"Una ventana desde Madrid"

                                http://www.unaventanadesdemadrid.com/retiro-angel-caido.html

                                http://www.unaventanadesdemadrid.com/madrid/retiro-monumento-alfonso-xii.html

Todas las imágenes han sido realizadas por mi.

FABIO DE GREGORIO ROMÁN. A3.

Escultura en el Buen Retiro

El Ángel Caído

El Ángel Caído es posiblemente la estatua más conocida del Retiro. Funciona como eje principal de la estatua que lleva su nombre. Fue realizada por Ricardo Bellver, artista renombrado de su tiempo, en el año  1877. Esta sobre un pedestal realizado por Francisco Jarreño.

La obra es de estilo romántico. Nos presenta una escultura de bronce del ángel Lucifer cayendo de los cielos. El ángel se encuentra sentado en una piedra, con la espalda arqueada hacia atrás, como cayendo. Se lleva una mano al rostro, y muestra un rostro de dolor, agonía. Serpientes atenazan sus miembros. Su ala izquierda se arquea, como si la plegara o desplegara.  A los pies del pedestal hay una serie de demonios o dragones que funcionan de chorros de la fuente.

Toda la fuente tiene clara  inspiración mitológica cristiana y tratándolo a la manera romántica. El protagonista es un ángel, pero no nos presentan al arcángel san miguel, sino a Lucifer, el traidor, el enemigo de Dios. Además, el personaje está siendo agarrado por serpientes, que representarían al demonio o el pecado de Lucifer. Además, los chorros de la fuente representan a dragones, demonios o monstruos, otra clara referencia a la Biblia, como este nivel de la composición representara el Infierno al que Lucifer se precipita. Los chorros también pueden recordarnos a gárgolas medievales, una época de la que los románticos toman muchas ideas.

Monumento a Jacinto Benavente

El dramaturgo de principios de siglo XX tiene un lugar reservado en el Retiro. Junto a la puerta Oeste se encuentra el monumento realizado en los años 60. El pequeño monumento es el centro del espacio que se crea tras las puertas de reja. Consta de un pedestal sencillo y una estatua de bronce sobre esta.

La obra no podría tener mayor inspiración clásica. Esta hecho como algunas tumbas griegas clásicas con un pilar con referencias al difunto  y con un busto o estatua sobre este. Así , sobre el pedestal hay una estatua de bronce que representa a una mujer griega vestida con las ropas típicas de las korai. La estatua porta una máscara del teatro. En el pedestal hay un busto de perfil de Jacinto Benavente rodeado de una corona de laurel, y bajo esta el nombre del artista y sus fechas de nacimiento y muerte. El bronce del pedestal tiene una inspiración romana, como el retrato de un emperador o de un senador

Monumento de Alfonso XII

Sin duda el monumento más memorable y tan conocida o más que el Ángel Caído es el monumento al monarca Alfonso XII.  Se encuentra junto al estanque, y es un gran grupo escultórico y arquitectónico.

La pieza principal es una gran estructura de piedra en vertical coronada por la estatua ecuestre de Alfonso XII. En un nivel inferior se encuentran una serie de grupos de estatuas. Más abajo encontramos cuatro leones de bronce, y bajo estos cuatro ninfas con animales vierten agua en el estanque. Atrás, encontramos una estructura semicircular sustentada por columnas y con estatuas en sus extremos.

Este monumento pretende glorificar la figura del rey Alfonso XII y para ello se han usado los medios posibles. Todo está decorado, como si hubiera horror vacui, todo lleno de estatuas, relieves, columnas y todo tipo de filigranas. Ahí también esa influencia clásica que está presente en prácticamente todo el Retiro, y que en esta obra se presenta con el uso de los ordenes clásicos, pegasos, ninfas…

El monumento tiene ciertas reminiscencias al monumento de Víctor Manuel II, en Roma, si bien no podemos decir que uno este inspirado en el otro pues son contemporáneos y con proyectos independientes planteados muchos años atrás.

Rubén de Dios Trabas

( Todas imagenes han sido extraidas de Google.es/ Todos los derechos reservados a sus respectivos dueños)

Esculturas del Parque del Retiro JUAN SASIAMBARRENA DIAZ

He elegido tres esculturas muy significativas del Parque del Retiro y las cuales conforman uno de los muchos itinerarios. Éste comienza en la Plaza de El Salvador con el monumento al general Martínez Campos. Sigue con el monumento a la República de Cuba y finaliza en la Glorieta del Ángel Caído con la estatua del mismo nombre. Cada escultura tiene un significado político y cultural que va más allá del valor artístico.

Comienzo con el Monumento a la República de Cuba. Se proyectó este monumento para conmemorar a la República de Cuba y a su presidente, el general Machado. Las obras empezaron en época de la Segunda República, hacia 1931. Con el estallido de la Guerra Civil el proyecto quedó paralizado. Tuvo que pasar la Guerra y la Posguerra para que se completara, inaugurándose en 1952.

El monumento consta de tres partes decoradas con figuras relacionadas con Cuba y las Antillas. En la cúspide una figura femenina con frutas alegoría a la cultura agrícola de Cuba. En la segunda franja se encuentran dos esculturas de Cristóbal Colón e Isabel la Católica, personajes fundamentales de la historia de España en América. En los laterales de la base hay dos proas de las carabelas, símbolos de la expedición marítima. Por último, rodeando la base encontramos figuras propias de la fauna cubana y de las Antillas en general como son las tortugas, los delfines o las iguanas.

El monumento está realizado en granito y las esculturas en piedra caliza. En las obras participaron artistas tan ilustres como Mariano Benlliure, Juan Cristóbal o Miguel Blay. El monumento es un ejemplo del afán reconciliador entre España y Cuba después de su independencia y la guerra con Estados Unidos.

 Monumento a la República de Cuba



Continúo con el itinerario para llegar al Monumento al general Martínez Campos. Consiste en una estatua ecuestre del General. Fue realizada por Benlliure e inaugurada en 1907. El motivo fue conmemorar al General por sus servicios al rey Alfonso XII. Desde las campañas militares en Cuba hasta el famoso pronunciamiento de Sagunto que colocó a Alfonso en el trono de España. El monumento consta de un pedestal sobre el que descansa la estatua ecuestre del General hecha en bronce. Una pieza de bronce con estandartes militares además de unos relieves en la base que describen sus principales campañas militares. Todo el monumento está rodeado por un estanque circular. Es un símbolo de la restauración monárquica de los Borbones en España y del Ejército como su mayor defensor.

 

 Monumento Martínez Campos

La última parada del itinerario es la estatua del Ángel Caído. Fue inaugurada el 23 de octubre de 1885, en época de la regencia de María Cristina. La obra representa al ángel caído, Lucifer en el momento que cae del Paraíso expulsado por Dios. Es una de las más peculiares que hay en el mundo, ya que no existen prácticamente representaciones de Lucifer en el momento de la Caída. La estatua de Lucifer fue realizada en bronce por Ricardo Bellver, que en 1878 había ganado el concurso de la Academia de Madrid con ella. Se trasladó a su emplazamiento actual, la Glorieta del Ángel Caído, el 23 de octubre de 1885, no sin muchas protestas por parte de la sociedad de la época. Al monumento se le añadió un pedestal obra de Francisco Jareño. Además se le añadieron en la base figuras zoomorfas relacionadas también con Lucifer-Satanás que expulsan agua a la fuente que rodea el monumento.

 Estatua del Ángel Caído

Bibliografía:

García, Luis; Parque del Buen Retiro Paso a paso, enero 2010.

http://www.paseapormadrid.com/descargas/parque_retiro_descarga_libre.pdf

JUAN SASIAMBARRENA DÍAZ 2º GRADO HISTORIA A3